Reviews: Esperando la Carroza (1985)



 

 

 

   ¿Adónde está mi amiga?

 

 

Como el grotesco dirigido por Alejandro Doria logró romper toda barrera generacional y permanecer en la conciencia popular para convertirse en una película de culto inagotable. Velorio improvisado, lágrimas de hipocresía y el inconfundible gen argentino. Pongan a hervir los ravioles y llamen a Mamá Cora, vuelve Esperando la Carroza (1985).

Un nuevo domingo veraniego se avecina para los Musicardi, una familia divida por los estratos sociales, asediada por los conflictos y tapada por las apariencias. Mamá Cora (Antonio Gasalla), una anciana octogenaria, se convierte en una presencia indeseada al no poder valerse por sí misma. El fin de una mayonesa implica el nacimiento de un mal entendido que desencadena en la temprana perdida una mujer que nunca murió.

Los orígenes de la película se remontan a la obra de teatro creada por Jacobo Langsner estrenada en la banda oriental en 1962 por la Comedia Nacional Uruguaya y dirigida por Sergio Otermin. Pocos años después debido a la originalidad del texto y la repercusión que logró en teatro “Esperando la Carroza” llegó a la televisión. Canal 9 la incluyó en un segmento del popular ciclo “Alta comedia” en la década de los 70. Doria reclutó tras las líneas del largometraje a dos icónicos artistas de la comedia, Antonio Gasalla y China Zorrilla, quienes manejan la carroza a gusto y piacere. La caracterización de Gasalla representó una verdadera hazaña para la época –El trabajo en maquillaje, así como también la transgresión de ser un hombre interpretando a una mujer- mientras que lo de Zorrilla es simplemente magistral, un verdadero homenaje no solo a la comedia sino también al teatro. No es un dato menor resaltar que ambos fueron respaldados por un equipo de actores de la vieja escuela como Luis Brandoni, Betiana Blum, Mónica Villa y Enrique Pinti, todos portadores de frases celebres y populares.  

 

A 32 años de su estreno la raíz de este éxito debe buscarse en la articulación minuciosa entre el género de la comedia costumbrista y la identidad argentina. Un constante desfile de personajes fácilmente estereotipados pero magníficamente interpretados. Esperando la Carroza funciona como un espejo ácido de la sociedad de los 80 y de hoy, con virtudes y defectos, de la miseria a la abundancia, de la vista gorda a la pena casi no sentida. Un gran circo. Y ese es justamente su ingrediente secreto, reducir de forma descomunal la realidad a un atroz absurdo. ¿De qué te reís? De todos nosotros me rio. Más claro, echale agua.

 

 

 

 

 

 

 

 

Esta humilde reseña está dedicada a Angelita Pardo.

Gracias por esa escena historica. 

Reviews: Savages (Salvajes, 2012)

 

 

 

Where the wild things are

 

Una vuelta a las bases y un triangulo de amor imperfecto en los tiempos del surf y el THC. Un amor peligroso, instintivo, casi animal. Savages (Salvajes, 2012) lo nuevo del aclamado director Oliver Stone.    

Dos amigos (Taylor Kitsch, Aaron Johnson) que complementan sus personalidades y habilidades en la paradisiaca Laguna Beach vislumbran la oportunidad de su vida al lograr la mejor calidad de marihuana existente. En medio, una novia compartida (Blake Lively) y el tráfico del cartel mexicano. Los intereses contrapuestos devienen en un juego del gato y el ratón con La Reina (Salma Hayek), un salven a la doncella en apuros contemporáneo en la tierra de unos pocos, o mejor dicho, en la tierra de nadie.

El director ganador del Óscar vuelve a lo que mejor le sale: los excesos del mundo criminal (Say hello to my Little friend!). La novela de Don Winslow, titulada igual que el filme, salta a la pantalla grande como el hijo bastardo de Breaking Bad y Law and Order, a excepción de que en Savages no existe el bando políticamente correcto.  No, es un salvase quién pueda. Es por eso que Stone y Winslow se las arreglaron para dar vida a un guión en donde vemos a un grupo de personajes sumergiéndose progresivamente en aguas peligrosas. Ensuciándose más y más las manos, con barro, con sangre. Se pierden los grises, se pierde el instinto racional, es en ese punto cuando los protagonistas empiezan a comportarse como animales, como salvajes.

El cast presenta caras reconocidas de distintas generaciones de actores, para todos los gustos y edades. El bando de los buenos (A veces no tanto) y jóvenes soñadores, con Kitsch, Johnson y Lively, y por el lado de los malos Salma Hayek y Benicio Del Toro. En medio un policía corrupto (John Travolta) y un genio de la informática (Emile Hirsch). Con todas estas cartas sobre la mesa, Savages juega su partida como un largo Noir consecuente con los tiempos que corren, arriesgado e irreverente. Y si, después de tantos años Stone Gone Wild. Era de esperarse.    

Reviews: The Dark Knight Rises (El caballero de la noche asciende, 2012)

Bati-Revolución 

Bruce Wayne renace de sus tormentos personales y asciende para salvar de la destrucción a ciudad Gótica, esta vez con Bane y Catwoman a cuestas. La épica conclusión de Christopher Nolan, El caballero de la noche asciende (2012)

Ya contamos siete años desde Batman Begins (Batman Inicia, 2005), el reboot cinematográfico del popular personaje de DC creado por Bob Kane, a cargo del director inglés que dio al cine joyitas como Memento (2000) e Inception (El Origen, 2010). Sin Heath Ledger, la saga culto de los últimos años lleva en su espalda un largo camino de reconocimientos y tragedias, un lado oscuro, una fábula que traza la vida de un hombre común pero también la de un héroe caído. 

Cuando un villano aparece para finalizar los deseos de destrucción de Ra’s Al Ghul, Batman deberá levantarse del suelo nuevamente, la vieja metáfora del padre, Thomas Wayne, se reinventa con fuerza. Es así como Christian Bale, Michael Caine, Gary Oldman y la pandilla regresan para cerrar, o no, la historia. Lo cierto es que Christopher Nolan había declarado no volver a trabajar el personaje de Batman luego de los sucesos de 2008, salvo que un buen guión lo motivara. Y así fue. Se eligió a Bane (Tom Hardy) y a Catwoman (Anne Hatawhay) como villanos de turno, descartando a otros como Mr Freeze o el Pingüino, ya que Nolan optó por personajes que pudieran estar más cercanos a la realidad, algo que mantuvo durante sus tres películas.

El caballero de la noche asciende contiene reminiscencias de Inicia (lo espiritual) y The Dark Knight (La batalla), un fuerte sentido de la justicia y la redención (El cantico que se escucha durante el escape de la prisión significa ‘Asciende’). Con una ciudad en llamas Nolan toma a los personajes y los pone a batallar como fichas bien definidas: Bruce Wayne/Batman (el bien) tambalea entre Bane (el mal) y Selina Kyle/Catwoman (una ambivalente belleza traicionera). Y es que en TDKR no hay lugar para los grises, es un constante a todo o nada, un concepto básico que se vuelve complejo. El film juega con una dosis justa de efectos visuales, ni mucho ni poco, un guión profundo, atrapante y la participación de un elenco sólido liderado por un excéntrico Bale, y la adhesión de caras nuevas como Marion Cotillard y Joseph Gordon Levitt. 

Con todas las cartas sobre la mesa se puede afirmar que hemos experimentado una de las mejores sagas que el género ha podido visualizar en el cine. No tan retorcida y excitante como su antecesora, The Dark Knight Rises complace con creces a los seguidores del caballero de la noche con un batallón de escenas sublimes que ponen el gancho final a la trilogía que reinventó a Batman la última década. De titán del comic a héroe de la pantalla plateada, una cosa es segura, siempre que lo necesitemos él volverá, pues esa es la ley primera, al menos el mundo de los superhéroes. 

Reviews: To Rome with love (A Roma con amor, 2012)

Tutto l'amore

Woody Allen continúa tomando las capitales europeas como musa de sus historias, vidas cruzadas en la ciudad del romance con Roberto Beningni, Alec Baldwin, Penélope Cruz, Ellen Page y Jesse Eisenberg en To Rome With Love (A Roma con Amor, 2012)

La nueva propuesta del aclamado director y guionista neoyorkino presenta cuatro historias en el corazón de la bella Italia, Roma. Sin conexión alguna, todas inician, transcurren y desenlazan de manera independiente con un único nexo universal: el amor.

To Rome With Love sigue la racha de filmes paisajistas que Allen comenzó unos años atrás con obras como Match Point (Londres, 2005), Vicky Cristina Barcelona (Barcelona, 2008) y Midnight in París (París, 2011), material ‘made in Europe’ para el resto del mundo. Si bien esta nueva película encaja en la premisa antes mencionada, Roma pasa a un segundo plano en una articulación de más de una decena de personajes con un estilo teatral básico: historias múltiples, aleatorias, inconexas y auto conclusivas. Aquí no tenemos la oscuridad de Match Point ni la fantasía de Midnight in París, más bien obtenemos un mix de situaciones sueltas, un tanto superficiales, que no van a ningún lado.

Penélope Cruz destaca en el papel de una voluptuosa prostituta por encargo mientras que Ellen Page y Jesse Eisenberg (el pibe Facebook) hacen lo suyo para el público más joven. El mismo Woody Allen enseña quizá los mejores guiños cómicos encarnando a un padre un tanto peculiar. La fotografía impecable, especialmente en esos fugaces retratos del verano italiano. La música, característica, de cliché acompaña pero a la vez agota en la decima repetición.  

Quizá se pida mucho de un director que ha estado en vigencia durante años y que anualmente nos entrega uno o dos filmes, no todos son grandes guiones, he aquí el caso, una divertida comedia con momentos bien creados pero que peca de pretensiosa al abarcar tantos personajes para terminar diciendo nada. Si hablamos de amor, hablemos de amores que duelan, amores grandes. Sino quieren eso, vean esta película.       

Reviews: My Week With Marilyn (Mi semana con Marilyn, 2012)

Blond ambition

En una época donde las Biopics están a la orden del día, Simon Curtis reconstruye en ‘My week with Marilyn’ unos días en la vida la mayor estrella que el cine tendrá jamás. 

En pleno auge de su carrera Marilyn Monroe viajó a Inglaterra para filmar El príncipe y la corista con el popular actor Sir Laurence Olivier. Cuenta la leyenda, que por esos días abatida por el inminente fracaso de su tercer matrimonio, la rubia tuvo un romance con un joven asistente de dirección llamado Colin Clark que duró, si damas y caballeros, una semana. 

Es así que los frágiles recuerdos de Clark –publicados en el 2000 bajo el mismo nombre que el filme- dan forma al guión que tomó unos días, no el inicio, tampoco el desenlace, de la vida de quizá, la actriz más influyente de la industria del cine. Simon Curtis, se muestra cauteloso tras las cámaras en un proyecto modesto pero reconfortante y por sobre todas las cosas innovador. Más que interesante el tratamiento que obtiene el tema de la fama, como una prisión construida por los flashes de la cámara, y la mirada pesada del ojo público. El elenco sobresale, comandado por una excéntrica protagonista que se maneja sigilosamente entre Kenneth Branagh, Eddie Redmayne, Judi Dench y Emma Watson.

Las cosas como son: Marilyn fue única. A diferencia de otras actrices legendarias de la ‘golden age’ de Hollywood, Monroe pareció haber nacido para la cámara. Su belleza era inimitable. He aquí la labor de Michelle Williams en un papel brillante que da forma a una Marilyn desconocida para la cultura pop: insegura, caprichosa, soñadora, inestable y por sobre todas las cosas, humana y terrenal. La chica de ‘Blue Valentine’ despliega su vasto arsenal de herramientas interpretativas (Un sexy andar, un rostro iluminado, el guiño fugaz de su ojo e incluso su voz) que sacan a flote a la otra Monroe, la que la cámara no captaba, la intima y solitaria estrella que solo buscaba ser amada.

Snow White and the Huntsman (Blanca Nieves y el cazador, 2012)

Segunda reinvención en 2012 del famoso cuento ‘Blanca Nieves y los siete enanitos’ que demuestra que la belleza puede ser sinónimo de oscuridad, ambición y reinos caídos … Mirror Mirror on the Wall, Who Is the Fairest of Them All? 

La manzana, el espejo, la bruja y la maldición. Todos conocemos la fábula creada por los hermanos Grimm y popularizada por los estudios Disney, sin embargo este año las productoras más influyentes de la industria del cine se han empecinado en reescribir la historia de la joven dueña de una belleza sin igual víctima de un hechizo fatal. Snow White and the Huntsman (Blanca Nieves y el cazador, 2012) nos trae una vuelta de tuerca guerrera y gótica que convierte al bosque en una pesadilla y al fruto prohibido en la reencarnación del pecado original mediante unos personajes que rozan lo siniestro.  

  

Charlize Theron crea majestuosamente a una reina que balancea entre la vanidad fría y el desquicio irreverente. Su personaje, además de posar el conflicto de la trama emerge como el atractivo principal de esta nueva adaptación de Blanca Nieves. Por su parte, la chica Crepúsculo, Kristen Stewart, denota dedicación y esfuerzo ante sus limitaciones como actriz y brinda una tibia protagonista, con momentos bien logrados pero con matices casi nulos. Por último, Chris Hemsworth acompaña correctamente en la piel del cazador con una interpretación que se apoya en una personalidad hosca, luchadora y emotiva.

Rupert Sanders captura con éxito la esencia mitológica del clásico cuento mediante una estética deslumbrante que no escatima en la presencia de un fuerte trabajo de vestuario, maquillaje y efectos visuales (Theron huyendo abatida en un puñado de cuervos a lo Frozen de Madonna, simplemente delicioso). Habiendo destacado eso, también corresponde decir que se pueden vislumbrar algunos errores de continuidad y un guión que resuelve ‘a las apuradas’ ciertas problemáticas con el afán de conectar escenas dejando una sensación de vacío. Sin más, Blanca Nieves y el Cazador compone una buena dosis de entretenimiento exprimiendo dos factores que en el cine mainstream no pueden faltar, caras bonitas y paisajes de ensueños.      

Reviews: [REC] 3 Génesis

Sí, quiero. 

Blanca y pura camina la novia. Sereno e impoluto aguarda el novio. En el medio, un camino, unos cuantos pasos los separan. De pronto, algo va mal. Las miradas se impacientan. El destino se interpuso. Su vestido ya no es blanco. El día más feliz de su vida se volvió rojo. Rojo sangre. Arrastrando un amor predestinado y letal, Paco Plaza juega sus cartas en solitario para la tercera entrega de la franquicia de horror española más exitosa de los últimos tiempos en [REC] 3 Génesis (2012). 

Luego de un noviazgo de ensueños finalmente el día más importante para Clara (Leticia Dolera) y Koldo (Diego Martín) ha llegado. La joven pareja celebra su amor con la consumación del sagrado matrimonio y una fiesta que parece no resguardar gastos en las afueras de Madrid. De un momento a otro la fantasía del enlace perfecto se torna en una sangrienta pesadilla cuando un extraño virus comienza a propagarse por la estancia convirtiendo a sus invitados, en nada más y nada menos, que en poseídos (zombies new school demoniacos). 

Luego de un poco más de dos años de silencio fílmico tras [REC] 2 (2009) Paco Plaza vuelve al ruedo con la tercera parte de la saga mockumentary –falso documental- iniciada en 2007 en conjunto con su compañero y amigo Jaume Balagueró (El otro papá del monstruo). Génesis se define como un spin off independiente que inclusive deja de lado el sello característico de la franquicia: la cámara en mano. Es decir, no apela al realismo y a la complicidad sino que se sumerge de lleno en la ficción con los métodos de filmación tradicionales con una incursión más cercana al cine violento que al suspenso implícito. Esta nueva entrega es una alternativa –respiro- a la historia original (REC 1 y 2), orientada a acortar el camino a Apocalipsis (Cuarta y última película en camino). 

El guión se desarrolla de forma paralela a sus antecesoras, por lo que no hay respuestas a los orígenes de la infección, aunque hay unos cameos del personaje estrella de [REC] la niña Medeiros. Leticia Dolera se apoya en un gran elenco para conformar una nueva Scream Queen española con una interpretación sublime. Técnicamente hablando estamos ante una verdadera joya del cine gore. Con un sobresaliente trabajo de maquillaje, y con escenas tan escalofriantes como gloriosas (Véase La Novia Vs. La Madre bajo la lluvia o el ‘Es mi día’ con motosierra en mano, entre otras) Plaza logra un producto innovador tanto para los fanáticos de la saga (Yo!) como para el espectador ocasional. A su vez, una dosis justa de humor negro así como guiños al cine varieté que nombra Atún (Sr B) allana el camino hacia una película de culto para Génesis.

Como claros referentes del nuevo cine de terror, ambos directores en conjunto, y en este caso Plaza por separado presentan una cátedra del género. Lo que hace un par de años parecía impensado en el mundo hispano golpea hoy los cines como una sólida franquicia que ha adquirido identidad propia. Satisfacción y motosierra, asegurada.